Le Metropolitan Museum publie des milliers d'images anciennes

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Le Metropolitan Museum of Art de New York vient d'annoncer la sortie de plus de 400 000 images numériques en haute résolution de sa collection de renommée mondiale, selon un communiqué de presse d'Art Daily.

Les images désormais disponibles gratuitement, qui peuvent être téléchargées à des fins non commerciales, comprennent des milliers de figurines anciennes, de reliefs, de peintures, de manuscrits et d'autres artefacts couvrant une période de 10 000 ans et couvrant toutes les grandes civilisations de notre passé ancien, comme ainsi que des centaines de cultures à travers le monde.

La nouvelle initiative appelée Open Access for Scholarly Content (OASC), signifie que les images peuvent être téléchargées directement à partir du site Web du Musée pour une utilisation non commerciale sans l'autorisation du Musée et sans frais. L'OASC a été développé comme une ressource pour les étudiants, les éducateurs, les chercheurs, les conservateurs, les éditeurs universitaires, les réalisateurs de documentaires non commerciaux et d'autres personnes impliquées dans le travail universitaire ou culturel. Avant la création de l'OASC, le Metropolitan Museum fournissait des images sur demande, moyennant des frais, et l'autorisation était soumise à des termes et conditions stricts.

« Grâce à cette nouvelle politique de libre accès, nous rejoignons un nombre croissant de musées qui offrent un accès gratuit aux images d'art dans le domaine public. Je suis ravi que la technologie numérique puisse ouvrir les portes de cette mine d'images de notre collection encyclopédique », a déclaré Thomas P. Campbell, directeur et PDG du Metropolitan Museum of Art.

Ici, nous présentons juste un petit échantillon de la magnifique collection maintenant disponible au public.

Fragment d'une mosaïque de sol byzantine avec une personnification de Ktisis (500-550 après JC).

Ce fragment est un exemple des mosaïques exceptionnelles créées dans tout le monde byzantin ancien dans la première moitié du VIe siècle. La tige qu'elle tient, l'outil de mesure du pied romain, l'identifie comme une personnification du concept abstrait de "Ktisis", ou Fondation, et symbolise la donation, ou la fondation, d'un bâtiment. Les personnifications d'idées abstraites, telles que développées par les philosophes stoïciens, sont restées populaires à l'époque paléochrétienne.

Sculpture en relief néo-assyrienne (vers 883-859 av. J.-C.)

Les salles du palais de Nimrud étaient décorées de grandes dalles de pierre sculptées en bas-relief, avec des murs et des plafonds peints de couleurs vives et des figures sculpturales gardant les portes. La salle du trône contenait des scènes narratives commémorant les victoires militaires d'Ashurnasirpal, tandis que dans d'autres zones du palais se trouvaient des figures protectrices et des images du roi et de sa suite exécutant des actes rituels. Sur cette dalle en relief, le roi Assurnazirpal II porte la couronne royale, un bonnet conique avec une petite pointe et un long diadème. Il tient un arc, symbole de son autorité, et un bol de cérémonie. Face à lui, un eunuque, un « imberbe », porte un fouet et une louche pour remplir le vaisseau royal. Le caractère paisible, peut-être religieux de la scène se reflète dans le calme digne des personnages.

Reproduction de la fresque des Bull Leapers, attribuée à Emile Gilliéron père. Fouillé en 1901 dans la Cour du Bec de Pierre, Knossos. (vers 1425-1300 av. J.-C.)

La fresque bien connue à Knossos d'un taureau sautant était l'une d'au moins trois scènes similaires. La partie figurative est encadrée en haut et en bas par des bordures élaborées de motifs de roches panachées qui se chevauchent entre des bandes étroites avec des motifs de denticules. Il n'y a aucune preuve pour soutenir le motif de roche restauré sur les côtés. Deux femelles à la peau blanche et un mâle à la peau rouge engagent le taureau, qui est rendu dans un galop volant. Les sports de taureaux ont une longue histoire dans l'art minoen qui remonte au troisième millénaire avant notre ère. Lorsque cette reproduction a été exposée pour la première fois au Metropolitan Museum, elle a été identifiée comme une scène de cirque. Plus récemment, des chercheurs ont suggéré que la scène représente des pratiques rituelles, symbolisant peut-être la domination humaine sur la nature. L'original se trouve au musée archéologique d'Héraklion, en Crète.

Chakrasamvara Mandala sur tissu. Népal (vers 1100 après JC)

Ce mandala, ou diagramme rituel, est conçu comme le palais du Chakrasamvara courroucé et de son épouse Vajravarahi, vus ensemble au centre de la composition. Ces divinités sont importantes pour la tradition Newar du Népal ainsi qu'au Tibet, incarnant la connaissance ésotérique des textes bouddhistes, les Yoga Tantras. Les divinités centrales sont entourées de six déesses, chacune fixée sur un pétale de lotus stylisé qui forme un vajra, une caractéristique qui suggère une date précoce pour cette œuvre. Encadrant le mandala se trouvent les huit grands lieux de sépulture de l'Inde, chacun étant présidé par une divinité sous un arbre. Les cimetières sont des lieux appropriés pour la méditation sur Chakrasamvara et sont emblématiques des différents domaines de l'existence. Le registre inférieur contient cinq formes de la déesse Tara ainsi qu'un adepte tantrique à gauche et deux donateurs à droite. Ce mandala est l'une des premières peintures à grande échelle à survivre du Népal.

Reproduction de la fresque "Ladies in Blue". Emile Gilliéron fils, 1927. Original sur plâtre peint (ca. 1525-1450 av. J.-C.).

Ce groupe de trois femmes a été restauré à l'origine par E. Gillieron, père à partir d'autres fragments de fresques fouillés avant 1914 à Knossos. Cet exemplaire reproduit les quelques fragments de fresque originale brûlés et abrasés, représentés en léger décalage par rapport à la restauration, et montre à quel point les Gilliéron ont recréé la scène. L'original se trouve au musée archéologique d'Héraklion, en Crète.

Voir toute la collection ici.

Image vedette : relief néo-assyrien trouvé à Nimrud (883-859 av. J.-C.)


Méfiez-vous des amateurs de musées : cet artefact ancien peut être volé

Un archéologue légiste met en lumière les affaires parfois louches derrière les collections des musées.

Il y a quelques années, Christos Tsirogiannis parcourait la collection en ligne du Metropolitan Museum of Art lorsqu'il a eu un éclair de reconnaissance. Alors qu'il étudiait un ancien cratère grec - un vase en argile utilisé pour mélanger le vin - quelque chose "a soudainement cliqué", dit-il. Le vase était décoré d'une peinture de Dionysos, le dieu grec du vin. "Je savais que j'avais déjà vu le sujet sur ce cratère", dit-il.

Archéologue légiste affilié au Centre écossais de recherche sur la criminalité et la justice de l'Université de Glasgow, Tsirogiannis a accès à des bases de données restreintes contenant des dizaines de milliers de photographies et de documents saisis lors de raids. En fouillant dans les archives en ligne, il a trouvé cinq photos du cratère grec du Met parmi les objets confisqués à Giacomo Medici, un marchand d'antiquités italien condamné en 2005 pour recel de biens volés et complot en vue de trafic d'antiquités pillées.

Alors pourquoi un objet qui a pu être déterré et vendu par des pillards a-t-il été exposé dans un célèbre musée américain, et comment est-il arrivé là ?

Des questions inconfortables comme celles-ci deviennent de plus en plus courantes à l'ère numérique alors que les musées, les universités et les collectionneurs privés publient des catalogues en ligne de leurs collections, créant une ressource précieuse pour les détectives anti-pillage comme Tsirogiannis.

Bien que son influence soit rarement reconnue, les détectives de Tsirogiannis ont incité de grands musées et maisons de vente aux enchères aux États-Unis, en Europe et en Asie à restituer des dizaines d'objets précieux à leurs propriétaires légitimes en Grèce, en Italie et dans d'autres pays.

"J'ai toujours aimé les puzzles quand j'étais enfant", dit le chercheur d'origine grecque. "Mon travail ressemble maintenant à un gigantesque puzzle composé de milliers de petits puzzles."

Après des études d'archéologie et d'histoire de l'art à l'Université d'Athènes, Tsirogiannis a travaillé pour les ministères grecs de la Culture et de la Justice pour dater et classer les objets pillés. Il a obtenu un doctorat à l'Université de Cambridge en 2013, rédigeant sa thèse sur les réseaux internationaux de marchands d'antiquités illicites.

Avec une mémoire visuelle volumineuse qui peut rappeler des milliers d'images d'artefacts pillés et une volonté d'envoyer des dizaines d'e-mails sans réponse, Tsirogiannis recherche activement des centaines d'objets dans des musées du monde entier. Il a récemment informé les autorités de Manhattan qu'un navire étrusque exposé dans une galerie de Midtown avait été volé, entraînant son rapatriement, ou son retour officiel, en Italie.


Le Met publie gratuitement des dizaines de milliers d'images d'art en ligne

"Washington Crosses The Delaware" de Leutze, l'une des milliers d'images du domaine public récemment publiées par le Met.

Amateurs d'art du monde entier, réjouissez-vous : le Metropolitan Museum of Art de New York inonde Internet d'œuvres classiques de sa collection.

Dans l'ensemble, il publie 375 000 images d'art du domaine public pour une visualisation sur le Web et une utilisation sans restriction dans le cadre d'un partenariat avec Wikimedia.

Le @Metmuseum met 375 000 images d'art public à disposition gratuitement - elles arrivent sur @wikicommons ! https://t.co/fjtdtNYXcU #MetOpenAccess

– Wikipédia (@Wikipedia) 7 février 2017

La nouvelle initiative a été lancée jeudi et se déroule à plein régime pour promouvoir l'effort et s'assurer que le monde sache comment y accéder.

Richard Knipel, le premier "Wikimédien en résidence" du musée, a écrit un article de blog formidable qui donne un peu plus de détails sur le projet en cours, dans le cadre de la nouvelle politique d'accès libre du musée.

Alors qu'une grande partie de la collection du Met sont des œuvres historiques du domaine public, le Met lève désormais toutes les restrictions de licence sur ses propres photographies de ces œuvres et les publie sans ambiguïté sous CC0, afin qu'elles puissent être utilisées librement en ligne. Avec la sortie CC0 du Met aujourd'hui et la mise à jour de sa politique de licence, les images des œuvres d'art du domaine public du Met seront disponibles gratuitement en ligne pour être réutilisées à quelque fin que ce soit, sans restriction en vertu de la loi sur le droit d'auteur.

Les utilisateurs peuvent parcourir la collection du musée (ou via la recherche Creative Commons) et télécharger et utiliser des images classées dans le domaine public pour tout ce qu'ils veulent : projets scolaires, usage personnel, voire des histoires Web comme, eh bien, celle-ci.

Il suffit de regarder sur la page pour chaque œuvre d'art le symbole « Domaine public » et — boum — vous avez de l'art !

"Au bord de la mer" de William Chase

Image : Musée d'art métropolitain

Dans un communiqué, Thomas P. Campbell, directeur et chef de la direction du musée, a déclaré : « L'augmentation de l'accès à la collection et à l'érudition du musée sert les intérêts et les besoins de notre public du 21e siècle en offrant de nouvelles ressources pour la créativité, les connaissances et les idées. Nous remercions Creative Commons, un leader international du libre accès et du droit d'auteur, d'être un partenaire dans cet effort."

Image: Vincent Van Gogh/Metroplitan Museum of Art via Wikimedia

Le musée développe également des partenariats avec Creative Commons, Wikimedia, Artstor, Digital Public Library of America (DPLA), Art Resource et même Pinterest pour aider à faire connaître la nouvelle initiative.


Le Metropolitan Museum of Art lance un appel pour la protection des sites du patrimoine culturel du Haut-Karabakh

17 novembre 2020 19:01 BST

Le Metropolitan Museum of Art de New York a lancé aujourd'hui un plaidoyer pour la préservation des sites du patrimoine culturel dans la région du Haut-Karabakh alors que l'Azerbaïdjan prend le contrôle de pans de territoire dans le cadre d'un accord de paix négocié par la Russie pour l'enclave.

« Les récentes effusions de sang et la destruction dans la région du Haut-Karabakh sont une tragédie mondiale qui nous préoccupe tous gravement », ont déclaré le président et directeur général du Met, Daniel Weiss, et le directeur, Max Hollein, dans un communiqué. « En plus de notre plaidons et espérons que la violence cesse, en tant que dirigeants de musées, nous demandons instamment que les sites du patrimoine culturel soient protégés. »

Le Haut-Karabakh se situe à l'intérieur des frontières de l'Azerbaïdjan mais contient une majorité ethnique arménienne.

L'accord de paix russe a mis fin à une guerre de six semaines entre l'Azerbaïdjan et les Arméniens qui aurait fait des milliers de morts. La guerre a attiré certains des plus grands acteurs de la région, la Turquie soutenant l'Azerbaïdjan et la Russie cherchant à arrêter les combats dans une région qu'elle gouvernait autrefois.

En octobre, l'Arménie a accusé l'Azerbaïdjan d'avoir bombardé et profané la principale cathédrale de la ville de Shushi (appelée Shusha par les Azerbaïdjanais) et de mettre en danger une ancienne ville arménienne hellénistique, Tigranakert. L'Azerbaïdjan a nié avoir attaqué la cathédrale Ghazanchetsots et a accusé l'Arménie d'avoir détruit des dizaines de mosquées alors qu'elle contrôlait la région. L'Arménie est l'une des plus anciennes civilisations chrétiennes du monde et l'Azerbaïdjan est majoritairement musulman.

La capture de Shushi par l'Azerbaïdjan au début du mois a été un tournant qui a ouvert la voie à la résolution négociée par la Russie cédant des districts à l'Azerbaïdjan.

"Le Metropolitan Museum of Art se consacre à la préservation et à l'exposition de la créativité humaine de plus de 5 000 ans à travers le monde", déclarent Weiss et Hollein. « En tant qu'organisateur et hôte de la Arménie! en 2018 - qui était la première grande exposition à explorer les réalisations artistiques et culturelles remarquables du peuple arménien dans un contexte mondial sur quatorze siècles - nous avons observé avec horreur et tristesse les récentes violences et effusions de sang dans la région du Haut-Karabakh. "

"Nous implorons tous ceux qui sont impliqués de respecter ces sites du patrimoine culturel international, qui enrichissent notre monde et ont survécu pendant des milliers d'années", ajoutent-ils. « La perte de sites du patrimoine culturel est permanente et constitue un vol grave pour les générations futures. »

L'Arménie et l'Azerbaïdjan, anciennes républiques soviétiques, s'affrontent sur le territoire depuis l'effondrement de l'Union soviétique. Les derniers combats pour le Haut-Karabakh, ou la République d'Artsakh, comme l'appellent les Arméniens, ont commencé en septembre lorsque le président azerbaïdjanais Ilham Aliyev a lancé une offensive pour reprendre l'enclave par la force.

Aux termes de l'accord de paix, le contrôle de la ville principale de l'enclave, Stepanakert, restera aux mains des Arméniens de souche alors qu'ils cèdent à l'Azerbaïdjan d'autres terres qu'il a prises pendant les combats. Les Arméniens ethniques se retirent de certaines régions qu'ils gouvernent depuis un précédent accord de paix négocié en 1994. Les troupes russes patrouillent maintenant dans un couloir de terre qui relie la région à l'Arménie afin que les Arméniens puissent quitter la région en toute sécurité.

La préservation des églises et des mosquées du Haut-Karabakh sera au cœur de l'accord de paix, a déclaré récemment le ministre russe des Affaires étrangères Sergueï Lavrov.

Lavrov a déclaré que l'engagement "d'organisations des Nations Unies telles que, en premier lieu, l'Unesco", le bras des Nations Unies qui supervise les monuments culturels, est une priorité "en particulier en ce qui concerne l'établissement d'une vie pacifique au Karabakh: la coexistence de groupes ethno-confessionnels, la renaissance des sites culturels et religieux, en assurant leur fonctionnement sûr et respectueux.

Chaque partie au conflit a fait appel à l'Unesco. Le ministère azerbaïdjanais de la Culture a déclaré qu'il reprenait une campagne vieille de plusieurs décennies pour inscrire la réserve historique et architecturale de Shusha, comprenant des centaines de bâtiments anciens, 17 mosquées et la forteresse de Shusha, sur la Liste du patrimoine mondial de l'Unesco. Il est sur la liste indicative depuis 2001.

Mettre à jour: Après avoir rencontré des représentants de l'Arménie et de l'Azerbaïdjan le 18 novembre, la directrice générale de l'Unesco, Audrey Azoulay, a proposé à l'agence onusienne d'effectuer une mission préliminaire sur le terrain pour dresser un inventaire des monuments culturels les plus significatifs « comme préalable à une protection efficace. du patrimoine de la région.

Le Conseil œcuménique des Églises a exprimé sa solidarité avec l'Église arménienne face aux « informations reçues concernant d'autres profanations plus récentes » et a exhorté « l'Unesco à prendre toutes les mesures possibles et appropriées pour protéger ces sites ».


Un nouveau livre raconte 6 000 ans d'histoire de l'art à travers l'étude approfondie des trésors du Metropolitan Museum - Lisez des extraits ici

Les historiens de l'art et les conservateurs du Metropolitan Museum effectuent des lectures approfondies des objets de la collection dans cette histoire de l'art en pleine évolution.

NEW YORK, NY - 30 AOT: Les visiteurs de l'aile américaine du Metropolitan Museum of Art voient le tableau d'Emanuel Leutze "Washington traversant le Delaware en 1776" le 30 août 2019 à New York. (Photo par Andrew Lichtenstein/Corbis via Getty Images)

Le nouveau livre Art= (Phaidon) est un courant de conscience créative qui fait le tour du monde et traverse 6 000 ans d'histoire de l'art. Pour raconter cette histoire peu orthodoxe, le livre examine 800 œuvres d'art et autres objets de la collection du Metropolitan Museum of Art. Ici, nous avons extrait une série d'images et de textes qui montrent comment un lecteur peut errer de l'histoire de l'or dans les Amériques, à un pendentif colombien en or, à une peinture de danseurs de l'artiste colombien Fernando Botero, à une étude du soufi. danse, à un livre du poète soufi Hafiz, et enfin à une histoire des arts du livre au Moyen Âge.

L'or dans les Amériques antiques

Dans les Amériques antiques, l'or était une manifestation du sacré, et les objets façonnés à partir de celui-ci étaient un moyen de se connecter avec un monde surnaturel. Loin d'être des dépôts de richesse passifs, les objets en or étaient des agents actifs dans un engagement permanent avec des forces puissantes. L'or était en effet particulièrement étroitement associé au soleil, il était souvent considéré comme une excrétion de cette entité divine.

L'or était très apprécié pour sa rareté et sa capacité à refléter la lumière, ce qui en fait un choix naturel
pour des démonstrations de rang et d'autorité. Son immunité à la décomposition en a fait un puissant symbole d'immortalité et de puissance durable dans le monde entier, mais certaines parties de l'ancien monde américain ne sont jamais tombées sous l'emprise de l'or. Par exemple, les Mayas classiques, qui ont prospéré dans ce qui sont aujourd'hui le Honduras, le Guatemala, le Belize et le sud du Mexique, ont montré peu d'intérêt pour le métal, malgré son utilisation intensive par les voisins du sud.

L'or a été exploité pour la première fois dans les Andes au IIe millénaire av. Le travail des métaux a été adopté plus tard que les autres arts au Mexique, mais la technologie a été rapidement maîtrisée, et l'éclat et l'inventivité des traditions mixtèques et aztèques du travail de l'or restent sans égal. Par exemple, un labret en or, ornement porté par la lèvre inférieure, coulé en forme de serpent prêt à frapper, est un tour de force du travail du métal aztèque (p.105, fig.4). Les artistes qui l'ont façonné ont non seulement maîtrisé l'essentiel de la fonte à la cire perdue, mais les ont poussés encore plus loin, en faisant de la langue rétractable du serpent une pièce mobile, créant un ornement brillant et dynamique qui a dû terrifier les ennemis du porteur sur le champ de bataille.

Dans les Amériques antiques, l'or était principalement utilisé pour créer des insignes de prestige, y compris des ornements et des récipients, mais il était aussi parfois utilisé dans des objets votifs, tels que de petites figurines déposées dans des puits sacrés, des lacs ou des temples, retirés de la circulation et des humains. vue. Le plus souvent, cependant, l'or a été déployé par des individus de haut rang dans le cadre de performances soigneusement orchestrées conçues pour projeter la magnificence. Les effets visuels dramatiques étaient primordiaux et les anciens artistes américains ont créé des coiffes, des colliers et d'autres œuvres ingénieux, souvent avec de multiples composants tels que des pendentifs ou des cloches, conçus pour refléter la lumière et éblouir. De tels ornements visaient, en grande partie, à établir des identités, à affirmer un statut, un privilège et une distinction. Les lois somptuaires contrôlaient qui pouvait posséder quoi dans les empires inca et aztèque, l'or était limité aux individus auxquels l'empereur avait accordé le privilège, tels que les membres de la famille royale et de la noblesse.

La plupart des ornements étaient portés sur ou près de la tête, soulignant son importance en tant que lieu de perception et de communication, et offrant peut-être une protection symbolique à l'une des parties les plus vulnérables du corps. Les artistes excellaient dans la création d'ornements pour les oreilles et la poitrine (p.027, fig.4, 6), des emplacements qui offrent une proéminence et des options de fixation sans obstruer les fonctions sensorielles. En Amérique du Sud, cependant, des artistes ont également créé des ornements de nez (p.127, fig.5). Suspendus à la cloison nasale, ils obscurcissaient la bouche, masquaient ses mouvements et contribuaient peut-être à la projection du porteur en tant qu'être surnaturel. Dans les Andes, les vases en or élaborés sont devenus importants dans les rituels et les arts politiques dans la seconde moitié du premier millénaire de notre ère. Les orfèvres de la côte nord du Pérou ont développé une production de niveau quasi-industriel de béchers en feuille d'or, vraisemblablement utilisés dans la vie avant d'être déposés par dizaines dans les tombes d'individus de haut rang. Les objets les plus spectaculaires de cette région sont peut-être les grands masques funéraires, également en feuille d'or. Le cinabre, un pigment minéral rouge, couvrait une grande partie des joues et du front de certains masques, obscurcissant la surface de l'or et suggérant que les valeurs inhérentes du métal étaient appréciées au-dessus de son apparence de surface.

Au XVIe siècle, l'appétit apparemment insatiable des Espagnols pour l'or a intrigué les Amérindiens, et les choses d'une valeur incalculable pour eux, telles que les coquilles de spondyle, les pierres vertes et les textiles fins, ont d'abord été ignorées par les Européens. Les
Le désir inépuisable des Espagnols pour l'or a conduit à l'une des pertes de vies les plus dévastatrices de l'histoire mondiale, à cause du travail forcé dangereux dans les mines, mais surtout à travers l'introduction de maladies contre lesquelles la population indigène n'avait aucune résistance. Bien que certains objets aient été renvoyés en Europe en tant que curiosités, la plupart des œuvres d'or précolombien ont été fondues en lingots pour faciliter le transport et le commerce. L'or, peut-être le métal le plus mutable, « renaîtrait » sous une nouvelle forme, refait au service de nouveaux rois et d'un nouveau dieu. Il faudra attendre la fin du XIXe siècle pour que les œuvres d'art précolombiennes en or soient valorisées dans leur forme originale, plutôt que pour leur matière.

Pendentif Figure, 10e-16e siècle, culture Tairona, Colombie

Pendentif Figure, 10e-16e siècle. Culture Tairona, Colombie. Or. Don de la Fondation H. L. Bache, 1969. Image reproduite avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art.

Les œuvres en or réalisées par le peuple Tairona de la Sierra Nevada de Santa Marta, dans le nord de la Colombie, mettent l'accent sur le volume et la forme tridimensionnelle. Cette figure fait partie d'un petit groupe appelé caciques (“cheiftans”) en raison de leur apparence flamboyante et impressionnante. Caciques vont de un à six pouces de hauteur et sont creux, coulés par la méthode de la cire perdue en tumbaga pour obtenir des détails remarquables. Des boucles dans le dos indiquent qu'elles étaient portées en pendentif.

Fernando Botero, Danser en Colombie (1980)

La page de l'art sud-américain d'Art=, mettant en vedette Fernando Botero’s Dancing in Colombia (1980).

L'art de Botero représente souvent des personnes à loisir, montrées en train de boire ou de danser. Ils peuvent sembler humoristiques, mais ils sont souvent chargés de commentaires sociaux et politiques. Danser en Colombie dépeint une scène de café animée, surpeuplée de sept musiciens, deux danseurs et un juke-box. Des détails tels que le sol jonché de cigarettes et de fruits et les ampoules apparentes au plafond suggèrent que le café est plutôt miteux, attirant des clients de nature décadente et peut-être immorale. On peut imaginer des odeurs de sueur, de tabac, d'alcool et d'eau de Cologne bon marché, ou les chambres à l'étage qui peuvent être louées à l'heure, bien que rien de tout cela ne soit explicite. Curieusement, il existe une grande différence de comportement entre les deux groupes de personnages. Les musiciens regardent fixement et semblent faire partie d'une nature morte inanimée. Ils sont la toile de fond du couple inexplicablement plus petit qui danse avec un abandon sauvage, les cheveux et les jambes volant. Comme d'autres œuvres de cette période, la surface de cette peinture est lisse, avec quelques traces de pinceau, la couleur est atténuée, bien que de petites zones de rouge, jaune et vert apparaissent d'une luminosité criarde.

Derviches danseurs, folio d'un divan de Hafiz, vers 1480

Derviches danseurs, folio d'un divan de Hafiz, c.1480. Peinture attribuée à Bihzad. Aquarelle opaque et or sur papier. Fonds Rogers, 1917. Image reproduite avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art.

Ce tableau montre des derviches dans la cérémonie mystique de la sama, dans lequel le tournoiement et la danse sont accompagnés de musique et de récitations d'un dhikr, une répétition du nom de Dieu. Dans leur danse mystique, les soufis atteignent un état extatique, facilitant leur connexion à Dieu. Au premier plan, des derviches sont représentés à divers stades d'enchantement et d'épuisement, leurs turbans dispersés jetés de côté dans la félicité de l'extase divine.

Les Frères Limbourg, les Belles Heures de Jean de France, duc de Berry, 1405–08/09

Les Belles Heures de Jean de France, duc de Berry, 1405-08/09. Les Frères Limbourg. Tempera, or, encre sur vélin.
The Cloisters Collection, 1954. Image reproduite avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art.

Probablement créé à Paris, le Belles Heures, ou Belles Heures, un livre de dévotion privé, est l'un des plus somptueux manuscrits du Moyen Âge qui nous ait subsisté. Commandé par Jean de France aux frères Limbourg, les artistes les plus doués de leur temps, c'est le seul manuscrit achevé par eux dans son intégralité. Le texte richement illustré est rehaussé de sept cycles d'images sans précédent consacrés à des figures chrétiennes ou à des événements ayant une signification particulière pour le duc. À l'aide d'une palette lumineuse, les artistes ont mélangé une vision nordique intime de la nature avec des modes d'articulation figuratifs à l'italienne. Le vif intérêt pour le monde naturel et les moyens naturalistes de le représenter, si frappants dans les 172 enluminures, préfigurent l'œuvre de Jan van Eyck et des générations suivantes de peintres exceptionnels des Pays-Bas méridionaux du XVe siècle.

Extrait de Art =. Découvrir des connexions infinies dans l'histoire de l'art, Le Metropolitan Museum of Art, Phaidon.


Hors des sentiers battus

Envie de plus ? Ces quatre galeries contiennent des trésors moins connus dans des espaces plus calmes.

Arts d'Afrique, d'Océanie et des Amériques | Galerie 354
Nous ne savons pas pourquoi cette galerie n'est pas plus populaire : vous verrez certaines des œuvres d'art les plus exquises des quatre continents. Ils comprennent d'étonnantes pièces d'or complexes d'Amérique du Sud précolombienne (Galerie 357), des œuvres saisissantes des cultures africaines (Galerie 352) et une sculpture fluide en aluminium et fil de fer réalisée pour le musée par l'artiste ghanéen El Anatsui en 2006 ( Galerie 350).

L'aile américaine | Galerie 760
Vous pouvez trouver ici l'une des images les plus connues de l'art américain, "Washington Crossing the Delaware" d'Emanuel Leutze de 1851, qui domine les visiteurs. Les galeries environnantes sont un peu un méli-mélo, mais la galerie 771 détient le portrait scandaleux de John Singer Sargent, "Madame X (Madame Pierre Gautreau)" - la version originale, avec une bretelle de la robe de Madame X tombant de son épaule, a provoqué un tel tollé que Sargent l'a repeint.

Art islamique | Galerie 461
Les œuvres de ces galeries montrent les liens et les distinctions entre la péninsule arabique, la Turquie et l'Asie centrale et du Sud. Envie de changer de rythme ? Dirigez-vous vers la galerie 461, où se trouve un intérieur entièrement installé du XVIIIe siècle de l'empire ottoman, connu sous le nom de salle de Damas.

Art Moderne et Contemporain | Galerie 915
Le Met a parfois été critiqué pour avoir accordé une attention insuffisante à l'art du présent, mais ces galeries sont assez riches. L'énorme « Rythme d'automne (numéro 30) » de Jackson Pollock se trouve dans la galerie 901. Revenez vers l'escalier pour vous rendre à l'impressionnante mezzanine, la galerie 915, où se trouvent des bancs pour se reposer tout en contemplant la collection.


Ludus Latrunculorum

UNE Ludus Latrunculorum planche trouvée dans la Grande-Bretagne romaine (English Heritage / The Trustees of the Corbridge Excavation Fund)

Le toast de l'Empire romain, Ludus Latrunculorum ou Latroncule était un jeu de stratégie à deux joueurs conçu pour tester les prouesses militaires des participants. Joué sur des grilles de différentes tailles, le plus grand exemple connu mesure 17 carrés sur 18, le soi-disant « Game of Mercenaries » était probablement une variante de l'ancien jeu grec Petteia. (Aristote met en lumière les règles de Petteia, comparant un "homme sans cité-État" à une pièce "isolée de Petteia" laissée vulnérable à la capture par un adversaire.)

La première mention documentée de Ludus Latrunculorum remonte au premier siècle avant JC, lorsque l'écrivain romain Varro a décrit ses pièces de jeu en verre coloré ou en pierre précieuse. Deux cents ans plus tard, l'auteur anonyme Laus Pisonis a dépeint une image vivante du gameplay, expliquant : « [L]es rangs ennemis sont divisés et vous sortez victorieux avec des rangs ininterrompus ou avec la perte d'un ou deux hommes, et vos deux mains tremblent avec la horde de captifs. ” Les poètes Ovide et Martial ont également fait référence au jeu dans leurs œuvres.

Malgré sa récurrence dans les preuves écrites et archéologiques, Ludus LatrunculorumLes règles exactes de ’s restent floues. Divers chercheurs ont proposé des reconstructions potentielles du jeu au cours des 130 dernières années, selon Jeux anciens. Le plus complet d'entre eux est peut-être l'essai de 1994 d'Ulrich Schäler, traduit en anglais en 2001, qui suggère aux joueurs de déplacer des pièces vers l'avant, vers l'arrière et sur le côté dans l'espoir d'entourer une pièce ennemie isolée avec deux des leurs. Les jetons capturés ont ensuite été retirés du plateau, laissant les joueurs victorieux à la main avec la foule de pièces, comme Laus Pisonis Mets-le.


Bleu marine

Cadets de la Marine en uniforme, 1877. (Photo : Wikimedia Commons <>)

Formellement connu sous le nom bleu marine, la nuance de bleu la plus foncée, également connue sous le nom de bleu marine&mdash a été adopté comme couleur officielle des uniformes de la Royal Navy britannique et a été porté par les officiers et les marins à partir de 1748. Les marines modernes ont depuis assombri la couleur de leurs uniformes jusqu'au presque noir pour tenter d'éviter la décoloration. La teinture indigo était à la base des couleurs bleu marine historiques datant du 18ème siècle.

Fait amusant: Il existe de nombreuses variantes de bleu marine, notamment Cadet de l'espace, une couleur qui a été formulée en 2007. Cette teinte est associée aux uniformes des cadets de la marine spatiale, un service militaire fictif chargé d'explorer l'espace extra-atmosphérique.


Le Sanxingdui

Les Sanxingdui étaient une culture de l'âge du bronze qui a prospéré dans ce qui est aujourd'hui la province chinoise du Sichuan. Un agriculteur a découvert pour la première fois des artefacts du Sanxingdui en 1929. Des fouilles dans la région en 1986 ont révélé des sculptures de jade complexes et des sculptures en bronze de 2,4 mètres de haut.

Mais qui étaient les Sanxingdui ? Malgré l'évidence des capacités artistiques de la culture, personne ne le sait vraiment. Ils étaient des fabricants prolifiques de masques peints en bronze et en feuille d'or qui, selon certains archéologues, pourraient avoir représenté des dieux ou des ancêtres, selon le musée de Sanxingdui en Chine. Le site de Sanxingdui montre des preuves d'abandon il y a environ 2 800 ou 3 000 ans, et une autre ville ancienne, Jinsha, découverte à proximité, montre des preuves que les Sanxingdui s'y sont peut-être installés. In 2014, researchers at the annual meeting of the American Geophysical Union argued that at around this time, a major earthquake and landslide redirected the Minjiang River, which would have cut Sanxingdui off from water and forced a relocation.


How to access 375,000 beautiful, copyright-free images from New York’s Metropolitan Museum of Art

The sumptuous lips of a 3,000-year-old Egyptian queen’s face, and the plump belly of a 9th-century Mexican baby, are now at your disposal.

New York’s Metropolitan Museum of Art has released 375,000 images of works from its collection, with no restrictions on what you can do with them. The images, all of art in the US public domain, were previously available online, but with some stipulations about commercial use. You can find them at the digital collection, with “Public Domain Artworks” checked in the left-hand column.

“[The collection] represents 5,000 years of human endeavor, culture, and thought,” says Lauren Nemroff, head of digital content at the Met. She hopes people will create new works of their own, perhaps like these.

The images that are free to use cover 200,000 individual works of art, and new images are added each day. This is about half of the images represented online or about 13% of the museum’s permanent collection of 1.5 million artworks.

Works by Rembrandt, Vermeer, and Degas are all available, but the real treasures are the Met’s photographs of objects and relics from ages past. A frowning silver face from the Incas or a blue glazed ancient Egyptian hippopotamus, for example, will always come in handy. As will photos of old British gentlemen.

If that’s not enough of a rabbit hole, take a look at the 1 million images from the British Library, or 180,000 from the New York Public Library.


Voir la vidéo: ARMENIA! A major exhibition opens at the Metropolitan Museum of Art


Commentaires:

  1. Reagan

    Je confirme. Je suis d'accord avec tout ce qui précède. Discutons de cette question.

  2. Misu

    Je vous suggère de visiter le site, avec une énorme quantité d'informations sur un sujet d'intérêt.

  3. Vudokree

    Regardez tout le monde



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